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Guglielmo di Moerbeke, traduttore filosofico

Mediazione culturale e riformulazione del sapere antico

 

 

 

 

Nel pieno del XIII secolo, mentre le università europee prendevano forma e le grandi sintesi teologiche cercavano un equilibrio tra fede e ragione, l’Europa occidentale si trovava davanti a un vuoto: la maggior parte delle opere fondamentali della filosofia greca classica, in particolare quelle di Aristotele e dei suoi commentatori, erano ancora scarsamente accessibili o conosciute solo attraverso traduzioni arabe, spesso imprecise o distorte. In questo contesto, Guglielmo di Moerbeke, frate domenicano nato intorno al 1215 nel Brabante, si affermò come figura centrale per la trasmissione del pensiero antico al mondo latino-cristiano. La sua opera di traduzione non fu semplicemente filologica ma profondamente strategica: servì a fondare un linguaggio filosofico condiviso e ad aprire le porte alla riflessione speculativa sistematica, che avrebbe caratterizzato la scolastica.
Fino al XIII secolo inoltrato, gran parte del sapere filosofico e scientifico greco era giunto in Occidente tramite la mediazione araba. Pensatori come Avicenna e Averroè avevano preservato e rielaborato Aristotele. Le loro versioni, però, pur essendo sofisticate e influenti, erano anche profondamente segnate da prospettive teologiche e filosofiche diverse da quelle cristiane. Le traduzioni latine realizzate a partire dai testi arabi – spesso prodotte a Toledo e in altre città spagnole – contenevano errori, semplificazioni e interpolazioni, rendendo difficile una comprensione accurata dell’originale greco. Inoltre, molte opere fondamentali mancavano del tutto o erano conosciute solo attraverso frammenti.
Questa situazione costituiva un ostacolo per lo sviluppo di una filosofia cristiana capace di confrontarsi con il pensiero antico sul piano della precisione concettuale. Il bisogno di versioni dirette dal greco diventava dunque urgente, specialmente per i domenicani e i maestri dell’Università di Parigi, che cercavano di armonizzare il pensiero di Aristotele con la dottrina cristiana. La posta in gioco non era soltanto filologica ma teoretica e sistematica: senza testi affidabili l’intero progetto scolastico rischiava di poggiare su fondamenta fragili.
Guglielmo di Moerbeke svolse una parte importante della sua attività tra la Grecia, l’Italia e l’Oriente bizantino. Approfittando delle opportunità aperte dal dominio latino su Costantinopoli tra il 1204 e il 1261, poté accedere a biblioteche greche e manoscritti antichi che in Occidente erano sconosciuti. Visse e lavorò per diversi anni in ambienti vicini alla corte imperiale latina d’Oriente, in località come Nicea, Tessalonica e probabilmente anche Costantinopoli. In queste città, immerse nella cultura bizantina, ebbe l’opportunità rara di lavorare con manoscritti originali, redatti in greco e spesso trasmessi direttamente dalla tarda antichità.
Dotato di un raro bilinguismo e spinto da un senso di missione intellettuale più che da semplice interesse erudito, Moerbeke cominciò a tradurre in latino le opere dei grandi filosofi greci, con particolare attenzione ad Aristotele e alla tradizione neoplatonica. La sua visione era chiara: fornire al mondo latino uno strumento rigoroso, preciso e completo per leggere il pensiero greco senza le mediazioni o le deformazioni che lo avevano fino ad allora accompagnato. La sua non fu un’impresa isolata: operava in stretto contatto con altri grandi intellettuali del suo tempo, primo fra tutti Tommaso d’Aquino, che utilizzò ampiamente le sue traduzioni per costruire la propria architettura teologica.


Il metodo adottato da Guglielmo si distingue radicalmente rispetto a quello dei traduttori precedenti. Contrariamente all’approccio parafrastico, che cercava di adattare il testo originale alle strutture linguistiche e culturali latine, Moerbeke scelse una via di rigore estremo: la traduzione letterale. Cercava di mantenere la sintassi greca anche quando questa risultava ostica al lettore latino, conservando l’ordine delle proposizioni e riproducendo fedelmente le articolazioni logiche del testo. Questo rendeva le sue traduzioni a volte dure, difficili da leggere, eppure apprezzate per la loro precisione. Gli scolastici, abituati a lavorare sui testi in modo analitico, preferivano un latino fedele ma scomodo a uno elegante ma infedele.
Un altro aspetto essenziale del suo metodo era la precisione terminologica. Moerbeke contribuì in modo decisivo alla fissazione della terminologia tecnica latina che sarebbe diventata standard nella filosofia scolastica. Termini come “atto”, “potenza”, “sostanza”, “accidente” o “ente” trovarono nella sua traduzione un uso coerente e sistematico, rispecchiando con fedeltà i termini greci corrispondenti come energeia, dynamis, ousia, symbebēkos e on.
Infine, a differenza di molti traduttori medievali, Moerbeke evitava di modificare i testi per adattarli a esigenze teologiche o ideologiche. Non cercava di armonizzare Aristotele o Proclo con la dottrina cristiana: si limitava a trasmettere fedelmente il testo, lasciando il compito dell’interpretazione ai filosofi e ai teologi. Questa posizione, coraggiosa per l’epoca, gli guadagnò il rispetto degli studiosi più autorevoli e contribuì a rendere le sue traduzioni strumenti insostituibili per l’indagine speculativa.
L’opera di Moerbeke è immensa e tocca quasi ogni settore del pensiero greco. Il suo contributo più famoso riguarda il corpus aristotelico, che egli tradusse quasi interamente, spesso partendo da manoscritti migliori rispetto a quelli precedentemente utilizzati. La Politica, per esempio, venne resa per la prima volta in latino direttamente dal greco, così come l’Etica Nicomachea, la Metafisica, la Fisica, il De anima, il De caelo, i Meteorologica e gli Analitici. Queste versioni furono usate da Tommaso d’Aquino e da tutti i grandi pensatori scolastici dei secoli successivi.
Oltre ad Aristotele, Moerbeke tradusse numerosi commentatori antichi, come Simplicio, Ammonio e Filopono, i quali proponevano interpretazioni neoplatoniche delle opere aristoteliche. Questi testi erano fondamentali per comprendere il modo in cui il pensiero greco tardo-antico aveva integrato e trasformato la filosofia del maestro di Stagira. In particolare, la Fisica aristotelica, accompagnata dal commento di Simplicio, divenne una delle fonti principali della cosmologia scolastica.
Di importanza capitale fu anche la sua traduzione della Elementatio Theologica di Proclo, un’opera sistematica che influenzò profondamente il pensiero teologico e mistico dell’Occidente latino. L’opera di Proclo, attraverso Moerbeke, raggiunse pensatori come Tommaso d’Aquino, Bonaventura e più tardi anche Marsilio Ficino e Nicola Cusano, contribuendo alla formazione di una corrente neoplatonica cristiana.
In ambito scientifico, tradusse testi di medicina e matematica, tra cui opere di Galeno e probabilmente anche di Archimede. Questi testi, sebbene meno noti al grande pubblico, furono fondamentali per la trasmissione del sapere tecnico e naturalistico greco al mondo latino.
Le traduzioni di Moerbeke diventarono la base per i commenti scolastici, per le dispute universitarie, per la formazione dei chierici e dei filosofi. La chiarezza e la fedeltà delle sue versioni permisero a Tommaso d’Aquino di costruire la sua sintesi tra fede e ragione su un testo aristotelico finalmente stabile e affidabile. Tuttavia, l’influenza di Moerbeke andò ben oltre Tommaso: anche autori come Sigieri di Brabante, Enrico di Gand, Giovanni Duns Scoto e persino Guglielmo d’Ockham si confrontarono con il corpus aristotelico nella forma trasmessa da lui.
L’importanza delle sue traduzioni non si esaurì nel Medioevo. Ancora nel Rinascimento, prima della riscoperta massiccia del greco, i testi di Moerbeke rimasero punti di riferimento per studiosi e umanisti. E in epoca moderna, la filologia classica ha riconosciuto in lui un anello decisivo nella catena della trasmissione del sapere antico.

 

 

 

 

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De arte venandi cum avibus di Federico II

Capolavoro medievale tra natura, scienza e potere

 

 

 

 

Il De arte venandi cum avibus è un documento straordinario, che testimonia l’intelligenza eclettica, la curiosità scientifica e la visione politica di Federico II di Svevia. Quest’opera, scritta in latino, unisce la precisione della ricerca empirica con la raffinatezza culturale di un sovrano che si considerava non solo legislatore e condottiero ma anche filosofo e scienziato.
In un’epoca in cui la conoscenza era spesso subordinata all’autorità religiosa, Federico II si pose come un pensatore indipendente, assetato di sapere fondato sull’esperienza diretta. Il De arte venandi cum avibus è il risultato tangibile di questo approccio ed è considerato uno dei più importanti trattati scientifici del Medioevo.
Federico II nacque nel 1194, figlio dell’imperatore Enrico VI e di Costanza d’Altavilla. Cresciuto in Sicilia, in un ambiente culturalmente pluralista, entrò precocemente in contatto con le culture latina, greca, araba ed ebraica. Questa formazione multiculturale gli fornì gli strumenti intellettuali per elaborare una visione del mondo aperta, razionale e profondamente laica, in netto contrasto con l’ortodossia cristiana dominante.
Federico fu un sovrano innovativo: promosse l’uso del volgare nella poesia (la Scuola siciliana ne è un chiaro esempio), fondò l’Università di Napoli nel 1224, per formare una classe dirigente fedele alla corona, e riformò il diritto con il Liber Augustalis. Ma fu anche un uomo di scienza, appassionato di astronomia, medicina, zoologia, filosofia naturale. Il De arte venandi cum avibus nacque all’interno di questa tensione tra potere, sapere e natura. Non è un’opera scritta per passatempo: è il riflesso di una visione del mondo in cui il sovrano deve conoscere profondamente la realtà per poterla dominare e ordinare.

L’opera originale di Federico era composta da sei libri, ma solo il primo ci è giunto nella sua versione autentica. I restanti sono stati completati e ampliati dal figlio Manfredi. Tuttavia, anche solo il primo libro basta a rivelare la portata intellettuale dell’impresa.
La struttura del trattato segue un rigoroso ordine logico. Comincia classificando gli uccelli, distinguendo con precisione le specie adatte alla caccia, come falchi, aquile e astori, da quelle non impiegabili. Passa poi all’anatomia e alla fisiologia, dedicando ampio spazio allo studio del corpo degli uccelli, dei sensi, del piumaggio e del volo. Analizza, quindi, il comportamento animale, soffermandosi su abitudini alimentari, aggressività e istinti predatori. Prosegue con un’esposizione dettagliata dei metodi di allevamento e addestramento, spiegando come addomesticare, nutrire ed esercitare i rapaci. Esamina, poi, le tecniche di caccia, adattate all’ambiente, alle prede e alle stagioni. Conclude con un’ampia trattazione sulla cura delle malattie, basata su un sapere che unisce l’esperienza empirica alle conoscenze medico-scientifiche greco-arabe. Ogni parte è trattata con sistematicità e precisione. Federico annota variazioni comportamentali, differenze tra individui della stessa specie, reazioni agli stimoli. Il tono è quello di un naturalista che sperimenta sul campo, non di un autore che ripete nozioni altrui.
Uno degli aspetti più sorprendenti del De arte venandi cum avibus è il suo metodo scientifico, che anticipa in modo stupefacente i criteri della ricerca moderna. Federico non si limitò a raccogliere informazioni: le verificò sperimentalmente. Quando afferma, ad esempio, che gli avvoltoi non sentono gli odori da lontano ma si affidano alla vista, lo fa perché ha condotto esperimenti precisi con carcasse e coperture visive.
Inoltre, si confrontò direttamente con Aristotele, Avicenna e altri autori antichi, non temendo di confutare le loro teorie se l’osservazione lo portasse a conclusioni diverse. Questa tensione tra autorità e osservazione fa del De arte venandi un manifesto dell’approccio empirico. L’osservazione del reale non serve solo a comprendere la natura ma a rimettere in discussione l’intero impianto del sapere tradizionale.
Uno degli aspetti più affascinanti dell’opera è il suo apparato illustrativo. Il Codice Palatino, conservato presso la Biblioteca Vaticana, contiene oltre 500 miniature a colori che rappresentano in modo accurato numerose specie di uccelli. Le illustrazioni non sono decorative: sono strumenti di conoscenza. Raffigurano uccelli in volo, in caccia, in pose anatomiche che mettono in evidenza dettagli fisiologici. Alcune immagini mostrano falchi con prede, altre ne descrivono le fasi di addestramento. L’approccio iconografico è coerente con la logica scientifica dell’opera: l’immagine non è un simbolo allegorico (come nei bestiari medievali) ma un dato oggettivo, da osservare e studiare. È il segno di un nuovo modo di guardare alla realtà: con gli occhi della ragione e dell’esperienza.

Il De arte venandi cum avibus è anche un’opera politica. La falconeria, nel Medioevo, non era solo uno sport aristocratico: era un simbolo di dominio e controllo. L’uccello rapace, libero e fiero, che si sottomette all’uomo, rappresentava il potere del sovrano sulla natura, sulla società, sul mondo. Federico II fece della falconeria una vera e propria metafora del suo modo di regnare: razionale, strategico ma anche implacabile. Governare, per lui, è un atto di intelligenza e di pazienza, proprio come addestrare un falco. L’uomo che sa dominare l’istinto animale è lo stesso che può governare gli uomini.
L’imperatore scienziato si presentava, così, come il legislatore della natura, l’uomo che, conoscendo i suoi meccanismi profondi, può esercitare su di essa un’autorità superiore. La sua scienza non è neutra: è uno strumento di legittimazione del potere imperiale, in contrapposizione all’autorità religiosa della Chiesa.
Dopo la morte di Federico, nel 1250, l’opera circolò soprattutto negli ambienti della corte sveva e in quelli legati alla falconeria aristocratica. Tuttavia, fu riscoperta e valorizzata pienamente solo nei secoli successivi, quando il pensiero scientifico iniziò a rivalutare l’osservazione sperimentale come base del sapere. Nel Rinascimento, l’ammirazione per l’opera crebbe e diversi naturalisti la citarono o ne trassero ispirazione. Ma è con la scienza moderna che il De arte venandi cum avibus acquisì la sua vera statura epistemologica. Federico è stato riconosciuto come uno dei primi pensatori occidentali ad aver adottato un metodo di indagine rigoroso, indipendente dall’autorità religiosa o filosofica. Oggi, il trattato è oggetto di studio da parte di storici della scienza, zoologi, filologi e filosofi. È stato tradotto in numerose lingue e resta un punto di riferimento per comprendere le radici della scienza occidentale, in un’epoca che ancora cercava di separare il sapere dall’ideologia.

 

 

 

 

 

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L’uomo misura del reale

Brevi itinerari filosofici, letterari e scientifici
attorno a Protagora

 

 

 

 

 

L’enunciato di Protagora, “L’uomo è misura di tutte le cose: di quelle che sono, per quanto sono, e di quelle che non sono, per quanto non sono”, costituisce un passaggio fondamentale nella storia del pensiero umano, una soglia concettuale oltre la quale la verità non è più un dato fisso ma un orizzonte mobile. La sua portata non è soltanto filosofica: investe anche l’immaginario letterario, le scienze cognitive, la fisica moderna e il modo in cui la contemporaneità concepisce l’individuo, la conoscenza e la realtà stessa.
Ecco come letteratura e scienza hanno, nel corso dei secoli, rispecchiato, amplificato o messo in discussione il principio relativista protagoreo.
La letteratura ha spesso assunto la funzione di specchio deformante della realtà, proprio perché capace di moltiplicare i punti di vista, le voci, le percezioni. In questo senso, la narrativa moderna è uno dei luoghi privilegiati per comprendere le implicazioni del relativismo protagoreo.
Pensiamo a Marcel Proust, la cui Recherche è interamente costruita sulla soggettività del narratore. Il tempo, i ricordi, le emozioni, tutto è filtrato dall’esperienza personale. Nulla è oggettivo, nemmeno l’amore, nemmeno il tempo. Quando Proust scrive: “Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuove terre, ma nell’avere nuovi occhi”, riattualizza l’intuizione di Protagora: la realtà si misura attraverso lo sguardo umano, che la trasforma e la reinterpreta. Oppure si consideri Virginia Woolf, in particolare in To the Lighthouse o Mrs Dalloway, dove il flusso di coscienza sostituisce la narrazione oggettiva. Gli eventi non hanno più una struttura esterna ma vengono ricostruiti internamente, soggettivamente, in base alla memoria, alla sensibilità, alla contingenza del momento. La verità dei fatti è secondaria rispetto alla verità delle percezioni.
In ambito scientifico, il principio di Protagora ha trovato eco – seppur in forme diverse – nei grandi rivolgimenti del pensiero moderno, specialmente nel XX secolo. L’idea che non esista una realtà indipendente dall’osservatore ha avuto un impatto profondo in almeno due ambiti: la fisica e le neuroscienze.
La meccanica quantistica ha messo in crisi la concezione classica del mondo come qualcosa di oggettivo e indipendente. L’esperimento della doppia fenditura (double-slit experiment) mostra che il comportamento delle particelle cambia in base alla presenza o meno di un osservatore. Il principio di indeterminazione di Heisenberg afferma che non è possibile conoscere contemporaneamente la posizione e la velocità di una particella con precisione assoluta: l’atto stesso dell’osservazione interferisce con l’oggetto osservato. In altre parole: la realtà microscopica non ha proprietà ben definite fino a quando non viene misurata. Ciò che è “vero” dipende dall’interazione tra soggetto e oggetto, proprio come sosteneva Protagora.
Anche le scienze cognitive hanno confermato che non percepiamo il mondo com’è ma come il nostro cervello lo elabora. Le percezioni sono costruzioni mentali, selezioni parziali e interpretazioni dell’ambiente circostante. Il neuroscienziato Antonio Damasio ha mostrato come le emozioni, il corpo, la memoria influenzino profondamente la coscienza e la decisione, rendendo l’idea di un “io razionale e oggettivo” una semplificazione mitologica.
Nel campo della percezione visiva, il lavoro di R. L. Gregory e Vilayanur Ramachandran ha messo in luce come molte delle nostre esperienze sensoriali siano illusioni ottiche codificate, dipendenti dal contesto, dall’aspettativa e dalla cultura. Ancora una volta: l’uomo non percepisce “le cose per come sono” ma per come le può percepire – esattamente il punto di Protagora.
Nel mondo contemporaneo, però, il pensiero protagoreo si trova a fare i conti con la “post-verità” – una fase storica in cui le emozioni e le convinzioni personali hanno spesso più peso dei fatti oggettivi. L’affermazione “ognuno ha la sua verità” è diventata una formula popolare che legittima la polarizzazione estrema e la disinformazione sistemica.
Le piattaforme digitali, i social media, gli algoritmi di personalizzazione creano bolle cognitive in cui ognuno vede confermata la propria visione del mondo. Qui il relativismo degenera: non diventa più strumento di apertura e dialogo ma pretesto per l’autoreferenzialità e la chiusura mentale.
Infine, è interessante notare come due autori apparentemente lontani, Søren Kierkegaard e Italo Calvino, abbiano espresso in modo complementare l’eredità di Protagora. Kierkegaard, padre dell’esistenzialismo, afferma che “la verità è soggettività”. Non nel senso che tutto si equivale ma nel senso che la verità autentica è quella vissuta, scelta, interiorizzata, non imposta dall’esterno. È l’uomo, con la sua angoscia e la sua libertà, che misura il valore delle cose. Calvino, ne Le città invisibili, costruisce mondi che esistono solo nello sguardo del viaggiatore Marco Polo. Ogni città è metafora di una prospettiva, di un’immagine interiore. “Ogni città riceve la forma dal deserto a cui si oppone”. La realtà non è mai fissa: si plasma nell’incontro tra l’uomo e il mondo.
L’idea protagorea dell’uomo come misura di tutte le cose non è un invito al disimpegno o alla soggettività cieca. Al contrario, essa spinge a una forma più alta di consapevolezza: se tutto dipende da noi, allora dobbiamo esercitare responsabilmente la nostra facoltà di giudizio. Il relativismo non è un rifiuto della verità ma un rifiuto dell’assolutismo; non è negazione del sapere ma affermazione della pluralità dei punti di vista. In un mondo sempre più complesso, globalizzato e interconnesso, l’eredità di Protagora appare in tutta la sua attualità: sfida a pensare non contro la verità ma oltre l’illusione di possederla. E, forse, è proprio in questa tensione infinita tra il limite dell’uomo e il suo desiderio di conoscere che si misura – ancora una volta – la dignità più profonda della nostra condizione umana.

 

 

 

 

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Coluccio Salutati e le origini dell’Umanesimo civile

 

 

 

 

Coluccio Salutati è considerato uno dei protagonisti nella nascita dell’Umanesimo italiano. Vissuto tra il 1331 e il 1406, anticipò in molte delle sue idee e azioni la fioritura umanistica che sarebbe poi avvenuta nel Quattrocento. Non è fu soltanto studioso di antichità, quanto un uomo immerso nel proprio tempo, capace di usare la riscoperta dei classici come leva per riformare la vita politica e civile. In lui, cultura e potere si intrecciarono in modo inedito, segnando un nuovo paradigma: l’Umanesimo come pratica di governo.
Salutati visse in un’epoca di grandi tensioni. Firenze era una repubblica oligarchica, spesso in guerra con gli Stati vicini, in particolare con i Visconti di Milano, che minacciavano la libertà comunale del Centro-Nord. La Chiesa stava vivendo gli effetti corrosivi della cattività avignonese e dello scisma d’Occidente, mentre la crisi economica post-peste del 1348 indebolì le strutture sociali tradizionali.
Nel 1375, Salutati fu nominato cancellarius della Repubblica di Firenze. Questo ruolo, pur essendo formale, aveva una portata straordinaria: il cancelliere era colui che scriveva a nome della città, redigeva le lettere ufficiali, trattava con ambasciatori, formulava risposte, plasmava l’identità pubblica dello Stato. Salutati trasformò la cancelleria in un laboratorio di retorica politica e di ideologia repubblicana, rifacendosi ai modelli della Roma antica.
Fu un promotore instancabile dello studio delle litterae humaniores, cioè delle “lettere che rendono l’uomo più umano”. In contrasto con la cultura scolastica, che privilegiava la dialettica e la teologia, Salutati riscoprì l’importanza della retorica, della storia e della filosofia morale.
Tra i testi che rivalutò ci sono: le Epistulae e il De Officiis di Cicerone, fonte primaria per il modello dell’oratore-statesman; il De Providentia e le Epistulae morales di Seneca; il De rerum natura di Lucrezio, che copiò personalmente e diffuse, nonostante le riserve teologiche; le Ab urbe condita di Tito Livio, per la costruzione della memoria storica repubblicana. Questi lavori non furono solo filologici. Salutati considerava i testi antichi strumenti pratici per la formazione etica e politica del cittadino. L’imitatio dei classici non era esercizio stilistico ma mezzo per formare uomini migliori.
L’aspetto più originale dell’opera di Salutati è la sua visione dell’Umanesimo come arte civile. A differenza degli umanisti cortigiani del Quattrocento, egli era immerso nella vita pubblica. Scriveva lettere di guerra e di pace, proclami, esortazioni al popolo e agli alleati, sempre impiegando modelli stilistici e concettuali tratti dall’antichità.
Nel suo De tyranno, probabilmente composto tra il 1400 e il 1402, affronta con chiarezza il tema della legittimità politica. Il tiranno, per Salutati, è colui che governa secondo il proprio interesse personale, calpestando il bene comune. In contrapposizione, la repubblica è l’ordinamento che permette la partecipazione attiva dei cittadini e la difesa della libertà collettiva.


Le lettere ufficiali alla corte viscontea sono veri capolavori di retorica polemica, in cui denunciò l’arbitrio, l’avidità e l’inganno come segni della tirannide. Queste lettere non sono solo atti diplomatici ma veri strumenti di propaganda e formazione ideologica.
Salutati partiva da una concezione profondamente cristiana dell’uomo ma aperta alla razionalità e all’etica laica dei classici. Nei suoi scritti insiste sull’idea di libero arbitrio, virtù e responsabilità individuale. Il cittadino ideale è colto, retoricamente abile, consapevole del proprio ruolo nella comunità. Tuttavia, pur restando fedele alla fede cristiana, non temeva il confronto con gli autori pagani, anche materialisti, come Lucrezio o Cicerone.
Questo atteggiamento rivela un nuovo metodo di conoscenza, che separa l’analisi filologica dal giudizio morale, aprendo così la strada alla laicizzazione del sapere umanistico.
Il lascito di Salutati è stato soprattutto formativo. Attorno a lui nacque una scuola, composta da giovani talenti che avrebbero raccolto e ampliato la sua eredità: Leonardo Bruni, suo allievo diretto, sviluppò l’idea di Firenze come “nuova Atene” e tradusse Platone in latino; Poggio Bracciolini, anch’egli proveniente dalla cancelleria fiorentina, fu uno dei più grandi scopritori di manoscritti antichi; Pier Paolo Vergerio, autore del De ingenuis moribus, diffuse l’ideale dell’educazione umanistica in tutta Europa.
Salutati non fondò una scuola nel senso accademico ma una linea di pensiero, un movimento intellettuale che collegò la filologia all’etica e alla politica. Con lui nacque l’Umanesimo civile, distinto da quello letterario o religioso, che avrebbe trovato la sua piena fioritura nel Quattrocento.
Salutati, quindi non fu solo un umanista. Fu un intellettuale moderno, nel senso pieno del termine: consapevole del potere delle parole, impegnato nella vita pubblica, capace di pensare criticamente il rapporto tra individuo e potere, tra sapere e responsabilità. Il suo progetto era chiaro: riformare l’uomo per riformare la città. Con la sua opera, la cultura classica smise di essere patrimonio dei monasteri o esercizio retorico da scuola e diventò strumento di governo, di educazione, di libertà. Per questo, Coluccio Salutati è stato davvero il primo grande architetto dell’Umanesimo.

 

 

 

 

 

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Goffredo di Monmouth

L’invenzione della Britannia

 

 

 

 

Goffredo di Monmouth (circa 1100-1155) è un personaggio chiave per comprendere i meccanismi attraverso cui la letteratura medievale ha contribuito a costruire identità politiche, mitologie nazionali e strutture narrative di lungo corso. Autore colto, probabilmente di origine gallese, e parte della cultura clericale normanna che dominava l’Inghilterra dopo la conquista del 1066, operò in un contesto di forti tensioni culturali: tra tradizione celtica e potere normanno, tra oralità autoctona e scrittura latina, tra storia e leggenda.
L’opera che lo ha reso celebre, Historia Regum Britanniae (Storia dei re della Britannia), è un testo complesso, che si finge cronaca storica ma è, nei fatti, una narrazione epico-leggendaria. Scritto in latino attorno al 1136, copre un arco temporale vastissimo, dalla mitica fondazione dell’isola da parte di Bruto, discendente di Enea, fino all’arrivo dei Sassoni e al declino del potere britannico.
Goffredo sostiene di aver tradotto un antico manoscritto in lingua britannica, che gli sarebbe stato affidato da un certo Walter, arcidiacono di Oxford. È molto probabile che questo non sia mai esistito e che si tratti di un espediente retorico per conferire autorità e legittimità alla sua narrazione. Tale elemento, però, è cruciale: l’opera si presenta come tradizione ma è in realtà costruzione, un’invenzione che si maschera da riscoperta.


Il racconto vero e proprio comincia con l’eroe troiano Bruto, pronipote di Enea, il quale, esiliato e guidato dalla dea Diana, giunge in un’isola abitata solo da giganti. Dopo averli sconfitti, fonda una nuova città sulle rive del Tamigi: Troia Nova, destinata a diventare Londra. L’isola, inizialmente chiamata Albion, viene ribattezzata Gran Bretagna in suo onore. Alla morte di Bruto, i suoi tre figli si dividono il regno: Locrino ottiene Loegria (Inghilterra), Kamber la Kambria (Galles) e Albanactus l’Alba (Scozia). Il racconto procede con una rapida carrellata di discendenti, tra cui Bladud, che pratica la magia e muore tentando di volare. Segue la storia di re Leir, che decide di spartire il regno tra le tre figlie: Goneril, Regan e Cordelia. Le prime due, lusinghiere, ricevono le terre; Cordelia, sincera e sobria nelle parole, viene diseredata. Goneril e Regan tradiscono il padre, che finisce esiliato. Pentito, Leir trova rifugio presso Cordelia, ora regina dei Franchi. Con il sostegno di Aganippus, marito di Cordelia, Leir riconquista il trono, regna altri tre anni e muore. Cordelia sale al trono ma viene rovesciata dai nipoti Margano e Cunedagio, che si dividono il regno prima di entrare in conflitto. Cunedagio prevale e unifica il potere. La storia prosegue con lotte dinastiche, tradimenti e guerre civili. Il re Gorboduc lascia due figli, Ferrex e Porrex, che si uccidono a vicenda. Ne segue una guerra intestina che porta alla divisione del potere. Da questo caos viene fuori Dunvallo Molmuzio, re di Cornovaglia, che sconfigge gli altri pretendenti, unifica l’isola e istituisce le “leggi mulmotine”, ancora celebri tra gli inglesi. Dopo di lui, i figli Belino e Brennio combattono una guerra civile prima di riconciliarsi grazie alla madre. Insieme saccheggiano Roma; Brennio rimane in Italia, Belino torna a governare la Gran Bretagna. Il regno passa poi a re Lud. Alla sua morte, il fratello Cassivellauno governa in vece dei nipoti ancora minori, nominando Androgeus duca di Kent e Trinovantum, e Tenvantius duca di Cornovaglia. Cassivellauno affronta l’invasione di Giulio Cesare, che tenta per due volte di sottomettere la Gran Bretagna ma viene respinto. Dopo un conflitto interno tra Cassivellauno e Androgeus, quest’ultimo si allea con Cesare, che invade di nuovo. Alla fine, Cassivellauno si arrende e firma la pace. Gli succede il nipote Tenvantius, padre di Cunobelino, a sua volta padre di Guiderio. Quest’ultimo rifiuta di sottomettersi a Claudio e viene ucciso. Suo fratello Arvirargo resiste, ma poi si arrende, ottenendo in sposa Genvissa, figlia dell’imperatore. Il governo dell’isola resta nelle mani britanniche, anche se sotto influenza romana. Segue una lunga sequenza di re, tra cui Lucio, il primo sovrano cristiano, e altri legati al potere romano. Quando i Romani si ritirano, i Britanni si ritrovano indifesi contro le invasioni di Pitti, scozzesi e danesi. In assenza di rinforzi, chiedono aiuto al re di Bretagna (Armorica), che invia suo fratello Costantino. Dopo la morte di Costantino, il potere viene usurpato da Vortigern, che elimina il giovane erede Constante e chiama i Sassoni (Hengist e Horsa) come mercenari. Questi ultimi si ribellano e conquistano parte dell’isola. A questo punto appare Merlino. Goffredo interrompe la narrazione per riportare una raccolta di profezie enigmatiche, che anticipano eventi futuri e alludono anche alla realtà politica normanna. La narrazione riprende con Aurelio Ambrosio e Uther Pendragon, figli di Costantino, che crescono al sicuro in Armorica. Tornati da adulti, uccidono Vortigern e riconquistano il regno. Dopo l’avvelenamento di Ambrosio, Uther prende il potere. In battaglia si innamora di Igerna, moglie del duca Gorlois. Con l’aiuto magico di Merlino, la possiede sotto mentite spoglie: nasce così Artù. Alla morte di Gorlois, Uther sposa Igerna. Dopo nuove guerre contro i Sassoni, Uther vince ma muore a sua volta, avvelenato. Artù diventa re e schiaccia i Sassoni. Conquista la maggior parte del Nord Europa e stabilisce un lungo periodo di pace. Ma Roma, guidata da Lucio Tiberio, pretende tributo. Artù invade la Gallia e lo sconfigge. Mentre è via, il nipote Mordred usurpa il trono e sposa Ginevra. Artù torna, lo uccide nella battaglia di Camlann ma resta ferito a morte. Viene portato ad Avalon e affida il regno a Costantino, figlio del duca di Cornovaglia. Dopo Artù, i Sassoni tornano. La stirpe reale sopravvive fino a Cadwallader, ultimo re britannico, costretto a fuggire e poi ritirarsi a Roma dopo aver ricevuto una rivelazione divina: i Britanni non governeranno più. Muore in esilio, mentre i Sassoni prendono definitivamente il controllo e i Britanni si rifugiano in Galles.


Lo scopo di Goffredo è chiaro: offrire alla Britannia (intesa come isola e come concetto identitario) una storia nobile e coerente, fondata su origini troiane, legami imperiali e una dinastia regale autoctona che precede, anzi anticipa, la grandezza di Roma. In questo senso, Goffredo non è solo un narratore ma un ideologo della nazione ante litteram. In un’epoca in cui l’Inghilterra era divisa da tensioni etniche e linguistiche (anglosassoni, normanni, gallesi), l’Historia consegna una visione unificata e glorificata del passato.
Il più potente lascito dell’opera è senz’altro la figura di Re Artù. Goffredo non inventa il personaggio, che era già presente nella tradizione gallese orale e in testi come gli Annales Cambriae e la Historia Brittonum attribuita a Nennio, ma ne realizza la canonizzazione narrativa. Lo trasforma da eroe tribale a re universale, da guerriero locale a imperatore cristiano. Nel suo racconto, Artù non solo difende la Britannia dai Sassoni ma conquista l’Irlanda, l’Islanda, la Norvegia, la Gallia, arrivando a minacciare direttamente l’autorità di Roma. La narrazione arturiana di Goffredo è intrisa di elementi imperiali e cavallereschi: l’ordine, la giustizia, la magnificenza della corte, la lealtà dei cavalieri. L’Artù di Goffredo è la risposta britannica a Enea, ad Alessandro Magno, a Carlo Magno.
Tuttavia, è importante notare che nella Historia non si trovano ancora alcuni elementi che oggi associamo al ciclo arturiano: la Tavola Rotonda, la ricerca del Graal, la storia d’amore tra Lancillotto e Ginevra. Questi aspetti verranno sviluppati più tardi da autori come Chrétien de Troyes, Wace, Layamon e, nel XV secolo, Thomas Malory. Ma senza la Historia Regum Britanniae, questo universo narrativo non avrebbe preso forma. Goffredo fornisce lo scheletro, saranno altri a rivestirlo di carne, sentimenti e simbolismo.
Altro personaggio fondamentale dell’opera è Merlino (Merlinus), figura ambigua e carismatica che incarna il sapere magico e la profezia. Goffredo gli dedica una sezione specifica (Prophetiae Merlini), che circolò anche come testo autonomo. Le profezie di Merlino sono spesso oscure, ricche di simbolismi animali e metafore e hanno avuto una notevole influenza nella cultura medievale, soprattutto nella politica dinastica. In epoca medievale, le profezie non erano meri giochi letterari: erano strumenti di potere. Monarchi, cronisti e chierici le utilizzavano per legittimare pretese dinastiche o delegittimare avversari. Le profezie di Merlino furono interpretate, rimaneggiate e adattate per secoli: basti pensare al loro uso durante la Guerra delle Due Rose e nei testi di John Dee durante l’epoca elisabettiana.
La fortuna dell’Historia Regum Britanniae fu enorme. In pochi decenni dalla sua redazione, l’opera divenne un bestseller medievale. Ne esistono oltre 200 manoscritti, molti dei quali splendidamente miniati. Il testo fu tradotto e rielaborato in diverse lingue: francese, inglese, gallese, e perfino islandese. Robert Wace, con il Roman de Brut (circa 1155), la rielaborò in versi francesi, introducendo per la prima volta l’idea della Tavola Rotonda. Layamon, nel suo Brut in inglese antico (fine XII secolo), ne ampliò il respiro epico, intrecciando la narrazione arturiana con le tradizioni sassoni. In Galles, la tradizione profetica di Merlino si fuse con quella del bardo Myrddin, generando una nuova letteratura pseudo-profetica. Nel tardo Medioevo, la leggenda arturiana si integrò nei grandi cicli cavallereschi continentali: il Lancelot-Graal, la Vulgata, il Mort Artu. In epoca rinascimentale, Artù fu ripreso da Edmund Spenser (The Faerie Queene) e celebrato come simbolo della continuità britannica sotto la regina Elisabetta. Nel Romanticismo, fu riscoperto come figura nostalgica e ideale, protagonista dei versi di Alfred Tennyson nei Idylls of the King (XIX secolo).
A partire dal XIV secolo, e con l’avvento della storiografia critica rinascimentale, l’autorità storica della Historia fu messa in discussione. Umanisti e antiquari come Polidoro Virgili iniziarono a denunciare la falsità delle origini troiane della Britannia. Gli storici moderni concordano nel ritenere l’opera una costruzione letteraria priva di fondamento fattuale. Eppure, la potenza culturale del testo ha resistito. Goffredo di Monmouth ha avuto un impatto paragonabile a quello di Omero per i greci o di Virgilio per i romani: non per la verità storica ma per la capacità di plasmare un immaginario collettivo.
Goffredo non è uno storico nel senso moderno del termine ma è stato uno dei più ragguardevoli narratori politici del Medioevo. La sua opera non solo ha creato una mitologia nazionale per la Britannia ma ha generato un intero universo narrativo che continua a vivere nei romanzi, nei film, nei giochi, nei fumetti e nella cultura popolare globale. Ha saputo intrecciare mito e potere, leggenda e propaganda, costruendo un passato che non era mai esistito ma di cui milioni di persone, per secoli, hanno sentito il bisogno di credere.

 

 

 

 

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Lupo Servato

Intellettuale carolingio tra fede, politica e filologia

 

 

 

 

Lupo Servato (in latino Lupus Servatus o Lupus Ferrariensis), monaco, abate, scrittore, teologo e filologo, nato intorno all’805 nella diocesi di Sens, in quella che oggi è la Francia centrale, uomo di pensiero e di lettere, fu una delle voci più lucide del suo tempo e protagonista tra i più rappresentativi del Rinascimento carolingio, quell’ondata di rinnovamento culturale voluto da Carlo Magno e proseguito dai suoi successori per riportare ordine, cultura e fede in un’Europa uscita dal caos post-romano.
Proveniva da una famiglia aristocratica di origine bavarese, il che gli garantì l’accesso a un’educazione d’élite. Sin da giovane entrò come monaco nel monastero di Ferrières-en-Gâtinais, uno dei centri monastici più attivi e prestigiosi dell’epoca. La sua formazione fu di altissimo livello: studiò prima sotto la guida dell’abate Aldrico e poi fu inviato, intorno all’828, all’abbazia di Fulda, per perfezionarsi con Rabano Mauro, uno dei maggiori intellettuali del tempo e discepolo diretto di Alcuino di York. Questa esperienza lo collocò subito al centro della rete intellettuale carolingia.
A Fulda strinse rapporti con altri studiosi, come Gotescalco di Orbais, e iniziò a costruire una rete epistolare che, con il tempo, sarebbe diventata capitale per la conoscenza storica dell’epoca: Lupo era, infatti, un grande scrittore di lettere, genere che univa riflessione teologica, scambio culturale e diplomazia personale.
Tornato a Ferrières dopo gli studi, divenne segretario dell’abate Oddone e, intorno all’841, venne eletto abate grazie anche all’appoggio del re Carlo il Calvo. La sua nomina non fu soltanto un riconoscimento della sua erudizione ma anche della sua abilità politica e del suo senso della mediazione.
Negli anni successivi, si trovò a gestire il monastero in un periodo turbolento: l’impero carolingio era in fase di disgregazione, la minaccia normanna si faceva sempre più pressante e le rivalità tra i figli di Ludovico il Pio indebolivano il potere centrale. Lupo seppe, però, mantenere una posizione di equilibrio, operando con prudenza e intelligenza. Partecipò a concili regionali, intraprese missioni presso altri monasteri e corti e si fece portavoce delle istanze del suo cenobio anche in contesti rischiosi, come quando viaggiò per riscattare monaci catturati dai normanni. Questo aspetto “diplomatico” del suo ruolo lo rende una figura di confine tra il religioso e il politico, tra la clausura monastica e il mondo agitato delle corti carolingie.


Lupo fu anche un pensatore raffinato, profondamente inserito nel dibattito teologico del tempo. Uno dei temi più controversi fu la questione della predestinazione, riaccesa proprio in quegli anni da Gotescalco di Orbais, che sosteneva una teoria radicale della predestinazione doppia: Dio ha già scelto chi sarà salvato e chi sarà dannato, indipendentemente dalle opere. Una posizione che suscitò reazioni fortissime. Lupo prese posizione in modo deciso ma equilibrato. Difese una lettura agostiniana, secondo cui la grazia è necessaria per la salvezza e l’umanità, segnata dal peccato originale, non può salvarsi da sola. Tuttavia, rifiutò la predestinazione alla dannazione come incompatibile con la giustizia e la misericordia divine. Nei suoi trattati, come il Liber de tribus quaestionibus e Collectaneum de tribus quaestionibus, si mostra abile nel maneggiare argomentazioni teologiche complesse, cercando di tenere insieme il rigore dottrinale e la compassione evangelica.
Il contributo più rilevante di Lupo è quello legato al suo impegno filologico. In un’epoca in cui la trasmissione dei testi classici era affidata quasi esclusivamente agli scriptoria monastici, si distinse come copista, correttore e diffusore di opere antiche. Sviluppò una vera e propria passione per Cicerone, Sallustio, Virgilio, Ovidio, Terenzio, Seneca, Quintiliano e molti altri. Scrisse ai suoi amici e conoscenti per ottenere manoscritti, ne corresse le versioni, annotò, selezionò, restaurò. Non si trattava solo di un esercizio estetico o intellettuale: Lupo considerava la letteratura classica come un patrimonio da salvare e da mettere al servizio della formazione morale e cristiana. La sua attività anticipò per molti versi quella degli umanisti del Quattrocento e oggi viene considerata tra primi esempi di quella che sarebbe stata poi chiamata “rinascita del latino classico”.
Oltre ai suoi trattati e alla sua attività filologica, la fonte più preziosa per conoscere Lupo resta il suo epistolario, composto da 127 lettere oggi conservate. Questi testi ci restituiscono una voce vivissima, diretta, a tratti anche ironica o critica. Lupo scriveva per chiedere, per consigliare, per raccontare, per negoziare. Si rivolgeva a vescovi, re, abati, amici. In queste lettere troviamo una testimonianza diretta della vita monastica, dei conflitti interni all’Impero, della circolazione dei libri, dei rapporti tra potere e cultura.
Lupo Servato morì probabilmente intorno all’862. Non fu mai canonizzato, eppure lasciò un’impronta profonda nella storia dell’intellettualità medievale. Rappresenta un modello di equilibrio tra contemplazione e azione, tra spiritualità e cultura, tra tradizione e innovazione. Fu teologo senza dogmatismi, umanista ante litteram, custode della memoria classica e interprete lucido della sua epoca.

 

 

 

 

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Il matrimonio del sapere

Marziano Capella e la nascita delle Arti Liberali

 

 

 

 

De nuptiis Philologiae et Mercurii (Le nozze di Filologia e Mercurio) di Marziano Capella costituisce un unicum nel mondo culturale tardoantico. Un’opera difficile da classificare, densa di significati allegorici, mitici, filosofici e, soprattutto, di una profonda ambizione pedagogica. Scritta in un periodo di transizione, tra la dissoluzione della cultura classica e la lenta affermazione dell’ordo christianus, il De nuptiis (inizialmente nota anche come Satyricon) è un testo enciclopedico in forma di prosimetro, che racchiude e rielabora l’intero impianto del sapere pagano, organizzandolo attorno alla simbolica unione tra l’intelletto e il sapere: Mercurio e Filologia.
Composto tra la fine del IV e gli inizi del V secolo, forse a Cartagine, il testo riflette un mondo culturale ormai consapevole della propria fragilità. L’Impero Romano d’Occidente è in crisi, il sapere tradizionale viene messo in discussione da nuove autorità religiose, eppure la cultura latina tenta ancora di salvarsi e trasmettersi attraverso la forma dell’enciclopedia simbolica. Marziano Capella non è un filosofo originale ma un compilatore geniale che riesce a condensare retorica, logica, matematica, musica e cosmologia in una narrazione fantastica e formativa.
L’opera si articola in nove libri, con un proemio iniziale che narra la vicenda mitica delle nozze tra Mercurio e Filologia, giovane mortale destinata a essere assunta tra gli dèi come premio per la sua dedizione alla conoscenza. Questa unione viene autorizzata da Giove, il quale decreta che Filologia debba prima essere istruita dalle Arti Liberali, che le vengono presentate in forma personificata. I primi due libri sono narrativi e allegorici; i successivi sette (III-IX) costituiscono una vera e propria summa delle Arti Liberali, divise secondo il canone tardoantico del trivio e quadrivio.
La distinzione tra trivio e quadrivio, che sarebbe poi diventata la base del sistema educativo medievale, trova in Marziano Capella una delle sue prime sistemazioni compiute: il trivio comprende le arti del linguaggio e dell’espressione (grammatica, dialettica, retorica); il quadrivio raccoglie le discipline matematiche e scientifiche (geometria, aritmetica, astronomia, musica).
Marziano non si limita a presentare queste arti: le personifica in figure femminili, ognuna delle quali prende la parola e illustra i propri saperi davanti agli dèi. Tale scelta è profondamente significativa: non solo rende più vivace il testo ma riflette una concezione quasi “teologica” del sapere, in cui ogni disciplina è una potenza, una entità autonoma con una funzione cosmica e spirituale.

Grammatica (Libro III)
La prima a comparire è la Grammatica, austera e venerabile, la cui sapienza viene da lontano. Parla in greco, a sottolineare le radici elleniche del sapere, e la sua esposizione è densa di riferimenti tecnici: declinazioni, ortografia, accenti, fonemi. Viene descritta come una scultrice del linguaggio: lavora la materia grezza della voce per renderla significante. È la base di ogni sapere, poiché insegna a parlare e a comprendere. Marziano la descrive come colei che introduce l’allievo nella città del sapere, rendendo possibile ogni successiva indagine conoscitiva.
Dialettica (Libro IV)
Segue la Dialettica, inquietante e acuta. Porta un pugnale e uno scudo: la sua arma è il sillogismo, la sua difesa la refutazione. Qui l’autore entra nel cuore della logica antica: definizioni, proposizioni, inferenze, paradossi. La dialettica è la disciplina che consente di distinguere il vero dal falso, il probabile dal necessario. Marziano fa riferimento tanto ad Aristotele quanto agli stoici, creando un’immagine della dialettica come arte del combattimento verbale, strumento essenziale nella formazione del giudizio critico.
Retorica (Libro V)
La Retorica è brillante e maestosa, adornata come una regina, capace di incantare con le sue parole. Ella espone i tre generi dell’oratoria (giudiziaria, deliberativa, epidittica), i modi della persuasione, le figure retoriche. Viene celebrata come l’arte che governa le assemblee e guida i popoli, seconda solo al potere del logos divino. Marziano ne accentua il ruolo sociale e politico: la retorica non è solo tecnica, è forza civile e morale.
Geometria (Libro VI)
Entrando nel quadrivio, vi è la Geometria, severa ma armonica, simbolo del rigore della misura e della struttura. Viene descritta come capace di dividere la terra, tracciare confini, edificare templi e città. Si fa riferimento a Euclide, Archimede e Pitagora. La geometria in Marziano non è solo disciplina pratica ma anche simbolo dell’ordine universale: la sua precisione riflette la razionalità del cosmo.
Aritmetica (Libro VII)
L’Aritmetica è rapida e luminosa, maneggia numeri come essenze. È capace di vedere l’unità nelle differenze e la molteplicità nell’unità. Marziano ne fa un’esposizione quasi mistica, con digressioni su proporzioni armoniche, numeri perfetti, poteri magici del numero. L’aritmetica viene così a rappresentare la chiave segreta dell’universo, il codice attraverso cui la mente può penetrare le leggi divine.
Astronomia (Libro VIII)
L’Astronomia è colei che rivela l’ordine celeste. Parla di sfere, orbite, congiunzioni, eclissi. Marziano attinge ampiamente all’astronomia tolemaica e all’astrologia, con riferimenti alle costellazioni e ai moti planetari. L’universo appare come una macchina perfetta e l’astronomia è la scienza che permette di contemplarne la bellezza. Ma è anche, implicitamente, una disciplina spirituale: sollevando lo sguardo verso il cielo, l’anima si purifica.
Musica (Libro IX)
La Musica, infine, è forse la più enigmatica. Viene presentata come arte dell’armonia, non solo acustica ma cosmica. Marziano descrive le proporzioni musicali, gli intervalli, i modi, insistendo sull’idea pitagorica della musica delle sfere: ogni pianeta emette un suono e l’universo è una sinfonia inudibile ma reale. La musica diventa così il simbolo dell’accordo tra intelletto e natura, tra anima e cosmo.

L’opera di Marziano Capella, quindi, è molto più di una raccolta di nozioni: è una visione del sapere come cammino di ascesa dell’anima. Filologia, giovane umana, viene accolta tra gli dèi proprio perché ha ricevuto in sé tutte le Arti Liberali: solo attraverso la conoscenza l’essere umano può diventare “divino”.
In questo senso, Marziano anticipa la visione medievale dell’educazione come processo spirituale. Ogni Arte Liberale non è solo un insieme di tecniche ma un gradus nella scala della sapienza. Il trivio educa il linguaggio e il pensiero; il quadrivio apre la mente all’ordine matematico e cosmico. Al termine, l’anima è pronta per accedere alla philosophia, che è la vera unione nuziale, la sapienza suprema.
Durante l’Alto Medioevo, De nuptiis fu uno dei testi più letti e copiati. Servì da base per le Etymologiae di Isidoro di Siviglia e influenzò profondamente l’impianto pedagogico delle scuole carolinge. Il modello di Marziano si ritrova altresì nell’organizzazione scolastica delle cattedrali e dei monasteri, nelle sette arti di Alcuino di York, nel curriculum delle università medievali e persino nella Divina Commedia di Dante risuonano echi della grande sinfonia enciclopedica di Marziano.
Il De nuptiis Philologiae et Mercurii è, pertanto, una mitologia della conoscenza, una celebrazione del sapere come via di salvezza. Marziano Capella, con il suo stile oscuro ma potente, consegna un’immagine integrale dell’uomo come essere razionale e spirituale, capace di elevarsi fino al divino attraverso l’esercizio delle arti.

 

 

 

 

 

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Dalla Città di Dio alla selva oscura

Gli influssi agostiniani nelle opere di Dante Alighieri

 

 

 

 

Il pensiero di Sant’Agostino ha avuto un impatto profondo, pervasivo e durevole sull’opera di Dante Alighieri. Non si tratta di una semplice influenza dottrinale o di un ricorso sporadico a fonti patristiche: l’agostinismo si insinua nei nuclei vitali del pensiero dantesco, modellandone la visione dell’uomo, di Dio e del cosmo. La lezione del vescovo di Ippona risuona, in forme diverse, in tutta la produzione di Dante: dalla tensione spirituale della Vita Nova alla costruzione filosofico-politica del Convivio e del De Monarchia, fino all’impianto monumentale e teologico della Divina Commedia.
Sant’Agostino rappresenta per Dante un interlocutore privilegiato, non solo per l’autorevolezza teologica riconosciuta nel Medioevo, quanto per l’eccezionale profondità con cui aveva saputo indagare l’interiorità umana, il mistero del tempo, la natura del desiderio e il rapporto tra ragione e fede. La sua opera, in particolare le Confessioni e La Città di Dio, fornisce a Dante strumenti concettuali e spirituali per articolare una poetica che non è mera espressione estetica ma mezzo di elevazione morale e salvezza.
Nella Divina Commedia, l’influenza agostiniana si manifesta a più livelli. A livello antropologico, Dante eredita da Agostino l’idea dell’uomo come essere in cammino, segnato dal peccato ma orientato verso il bene, capace di elevarsi attraverso la grazia. La struttura stessa del poema, che racconta un itinerario dall’errore alla verità, ricalca l’arco esistenziale delle Confessioni: un pellegrinaggio interiore che parte dalla dispersione dell’io e culmina nella visione unificante di Dio. A livello teologico, la centralità dell’amore ordinato – che Agostino definisce come ordo amoris, ossia la giusta gerarchia dell’amore – trova un riflesso diretto nella concezione dantesca del peccato e della beatitudine. L’Inferno e il Paradiso non sono che rappresentazioni simboliche della distorsione o del giusto orientamento dell’amore umano.
Ciò che, tuttavia, rende davvero profonda l’assimilazione agostiniana da parte di Dante è il modo in cui il poeta riesce a tradurre in forma poetica e narrativa concetti altamente speculativi. La memoria, l’introspezione, la tensione verso l’eterno, l’instabilità della volontà umana: tutte dimensioni centrali nell’agostinismo cristiano vengono incarnate in personaggi, episodi e paesaggi. Dante non si limita a citare Agostino: lo trasfigura, lo fa parlare attraverso Beatrice, Virgilio, san Bernardo; ne distilla la sostanza e la inserisce in un disegno simbolico e letterario senza precedenti.
Analizzare questo legame significa pertanto entrare nel cuore della poetica dantesca. L’agostinismo non è per Dante un sistema da adottare ma una matrice viva, un orientamento spirituale e intellettuale con cui misurarsi. Comprendere come questa influenza agisca, quali elementi vengano accolti e quali rielaborati, consente non solo di leggere Dante con maggiore profondità, ma anche di cogliere l’originalità con cui egli risponde, da poeta e pensatore, alle grandi domande dell’uomo medievale: chi sono, da dove vengo, dove vado.

Interiorità e viaggio dell’anima

Uno dei concetti chiave del pensiero agostiniano è l’introspezione. Per Agostino, la verità si cerca dentro di sé, poiché è “più interiore della mia intimità e più elevato della mia sommità” (Confessioni, III, 6, 11). Dante recepisce questa idea nella costruzione del suo percorso poetico e spirituale: la Commedia è un viaggio dell’anima attraverso l’Inferno, il Purgatorio e il Paradiso, ma è anche un itinerario interiore. La selva oscura iniziale rappresenta proprio la perdita del senso interiore, dell’orientamento dell’anima. Il viaggio diventa, così, un ritorno all’ordine spirituale, simile alla conversione agostiniana descritta nelle Confessioni: “Tardi ti amai, bellezza così antica e così nuova, tardi ti amai. Sì, perché tu eri dentro di me e io fuori. Lì ti cercavo” (X, 27, 38). Questa tensione tra la dispersione esterna e il ritorno all’interiorità è centrale anche nella Commedia. La “selva oscura” in cui Dante si smarrisce è simbolo della perdita del centro interiore e della verità: “Nel mezzo del cammin di nostra vita / mi ritrovai per una selva oscura / ché la diritta via era smarrita” (Inf., I, 1-3). Come Agostino, anche Dante concepisce il viaggio spirituale come un ritorno alla verità divina che è già impressa nell’anima, ma che il peccato e l’orgoglio hanno oscurato. Il cammino ultraterreno rappresenta un’esperienza di purificazione e di riappropriazione della propria interiorità.

Amore ordinato e disordinato

Ne La città di Dio (14, 28), Agostino definisce il peccato come amor sui usque ad contemptum Dei (amore di sé fino al disprezzo di Dio) e la virtù come amor Dei usque ad contemptum sui (amore di Dio fino al disprezzo di sé). In Dante troviamo questa distinzione riflessa nei motivi ricorrenti del disordine e dell’ordine dell’amore: l’Inferno è il regno degli amori disordinati, il Purgatorio è il luogo dove l’amore viene purificato e ordinato e il Paradiso è il trionfo dell’amore perfettamente ordinato verso Dio. La Commedia è, in questo senso, un poema sull’amore giusto e ingiusto, molto vicino alla teologia agostiniana. Inoltre, nelle Confessioni (XIII, 9, 10), Agostino presenta il peccato come un disordine dell’amore, dove l’uomo ama le creature più del Creatore. Scrive: “Pondus meum amor meus, eo feror quocumque feror” (Il mio peso è il mio amore; esso mi porta dovunque mi porto). Dante recepisce pienamente questa visione. Nell’Inferno sono puniti coloro che hanno amato in modo disordinato (lussuriosi, avari, superbi, ecc.). L’esempio dei lussuriosi Paolo e Francesca (Inf., V) mostra come l’amore umano, se non ordinato a Dio, conduce alla perdizione: “Amor condusse noi ad una morte” (v. 106). Nel Purgatorio, l’amore viene educato e riportato all’ordine, come mostra il discorso di Virgilio sul libero arbitrio e sull’amore naturale e razionale: “‘Né creator né creatura mai’, / cominciò el, ‘figliuol, fu sanza amore, / o naturale o d’animo; e tu ‘l sai’” (Purg., XVII, 91-93). Il Paradiso, infine, è la dimensione dell’amore perfettamente ordinato, dove tutto tende armonicamente a Dio: “L’amor che move il sole e l’altre stelle” (Par., XXXIII, 145). Questa sintesi dantesca riflette l’idea agostiniana che solo l’amore rivolto a Dio può fondare la vera beatitudine.

Memoria, tempo, eternità

Agostino fu uno dei primi pensatori a riflettere sul tempo in modo esistenziale e soggettivo. Nelle Confessioni (XI, 20, 26), distingue tra tre dimensioni temporali presenti nell’anima: memoria (passato), attenzione (presente), aspettativa (futuro) (“il presente del passato è la memoria, il presente del presente la visione, il presente del futuro l’attesa”) Dante riprende questa visione nel modo in cui concepisce l’esperienza del viaggio, la reminiscenza del peccato e l’attesa della salvezza. Il tempo nella Commedia è linfa spirituale: nell’Inferno il tempo è cristallizzato, senza possibilità di mutamento. Nel Purgatorio, luogo agostinianamente “temporale”, l’anima può ancora redimersi. Il Paradiso è l’eternità, in cui il tempo è annullato nella visione di Dio. Un esempio chiaro dell’uso poetico del tempo interiore è la scena dell’apparizione di Beatrice: “Conosco i segni de l’antica fiamma” (Purg., XXX, 48). Dante collega la visione presente a una memoria passata, in un tempo interiore agostiniano che unisce passato e presente nella salvezza dell’anima.

L’allegoria come metodo interpretativo

In opere come De Doctrina Christiana, Agostino propone una lettura allegorica e spirituale della Scrittura, articolata in più sensi: letterale e allegorico. Dante riprende questo metodo nella costruzione della Commedia, opera che egli stesso, nella XIII Epistola a Cangrande della Scala, invita a leggere su quattro livelli: letterale, allegorico, morale e anagogico: “Per chiarire quello che si dirà bisogna premettere che il significato di codesta opera non è uno solo, anzi può definirsi un significato polisemos, cioè di più significati. Infatti il primo significato è quello che si ha dalla lettera del testo, l’altro è quello che si ha da quel che si volle significare con la lettera del testo. Il primo si dice letterale, il secondo invece significato allegorico o morale o anagogico” (20, 7). Per esempio, il personaggio di Beatrice non è solo una donna reale, ma anche figura della Grazia, della Teologia e della Sapienza divina. L’intero viaggio dantesco, quindi, può essere letto in senso storico (viaggio reale nell’aldilà), morale (cammino di perfezionamento), allegorico (viaggio dell’umanità verso Dio) e anagogico (prefigurazione della visione beatifica).

La Grazia come salvezza non meritata

Agostino sostiene che l’uomo non può salvarsi da solo, ma solo attraverso l’intervento gratuito della Grazia divina. Questo principio è fortemente presente nel cammino di Dante: l’intervento di Beatrice, voluto da santa Lucia e dalla Vergine Maria per soccorrere la sua anima smarrita è un esempio lampante di Grazia preveniente: “Donna è gentil nel ciel che si compiange / di questo ‘mpedimento ov’io ti mando, / sì che duro giudicio là sù frange” (Inf., II, 94-96). L’iniziativa è divina, non umana. Dante è salvato non perché meritevole, ma perché amato. Anche questo rispecchia pienamente l’antropologia agostiniana.

La Città di Dio e la visione politica

Ne La città di Dio, Agostino distingue tra la civitas Dei e la civitas terrena, fondate rispettivamente sull’amore di Dio e sull’amore del mondo. Dante recepisce questa distinzione e la sviluppa nella sua concezione dell’Impero e della Chiesa. Nel Paradiso, l’ordine perfetto è rappresentato dalla Gerusalemme Celeste, dove l’amore verso Dio regola ogni cosa. La corruzione della Chiesa e dell’Impero nel tempo presente è vista da Dante come tradimento della civitas Dei: Ahi serva Italia, di dolore ostello, / nave sanza nocchiere in gran tempesta, / non donna di provincie, ma bordello! (Purg., VI, 76-78). L’invettiva politica di Dante si basa su una concezione agostiniana della storia: solo chi ama Dio più del potere terreno può costruire una vera civiltà.

Dante, pertanto, non si limita a prendere Agostino come autore di riferimento: ne fa una chiave di lettura dell’intera realtà. L’influenza agostiniana è spirituale, intellettuale e poetica. La Divina Commedia è, in fondo, una “seconda Confessione”, dove il poeta racconta il suo ritorno a Dio, passando attraverso il peccato, la consapevolezza, la purificazione e la beatitudine. L’uomo, per entrambi, è un essere ferito che solo nell’amore ordinato e nella Grazia trova la via della salvezza.

 

 

 

 

 

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La Donazione di Costantino

Il grande inganno smascherato da Lorenzo Valla

 

 

 

 

Per secoli, la Donazione di Costantino è stata considerata una delle basi giuridiche e morali del potere temporale della Chiesa. Questo documento, che si riteneva redatto dall’imperatore Costantino il Grande, affermava che egli avrebbe concesso a papa Silvestro I e ai suoi successori l’autorità su Roma, sull’Italia e sull’intero Impero d’Occidente. La motivazione di questo dono, secondo il testo, sarebbe stata la guarigione miracolosa di Costantino dalla lebbra grazie al battesimo ricevuto da papa Silvestro.
Il documento sosteneva che Costantino, riconoscente per il miracolo, non solo avrebbe concesso al papa il primato sulla Chiesa universale, ma gli avrebbe anche assegnato la sovranità su vasti territori. Inoltre, il testo affermava che l’imperatore, per rispetto verso il papa, avrebbe trasferito la propria sede da Roma a Costantinopoli, lasciando alla Chiesa il controllo sulla città eterna e sulle province occidentali.
Per il papato medievale, la Donazione di Costantino fu un’arma formidabile per affermare il proprio potere nei confronti degli imperatori, dei re e dei principi cristiani. Venne utilizzata per legittimare la pretesa della Chiesa di essere l’autorità suprema, non solo in campo religioso, ma anche politico.
Nel XV secolo, con l’avvento dell’Umanesimo, il mondo della cultura iniziò a mettere in discussione molte certezze tramandate dal Medioevo. L’umanista e filologo Lorenzo Valla fu tra i primi a sottoporre la Donazione di Costantino a un’analisi rigorosa, utilizzando gli strumenti della filologia e della critica storica.

Nel 1440, Valla scrisse il trattato De falso credita et ementita Constantini donatione declamatio, in cui dimostrò, con prove linguistiche e storiche, che la Donazione era un falso medievale, probabilmente redatto nell’VIII secolo, durante il papato di Stefano II (752-757). Questo documento sarebbe stato creato per rafforzare le pretese della Chiesa nei confronti del neonato Sacro Romano Impero e dei re franchi, in particolare di Pipino il Breve, che aveva concesso al papa il controllo di alcuni territori italici.
Lorenzo Valla dimostrò la falsità della Donazione attraverso un’attenta analisi della lingua del testo. Le sue osservazioni principali furono l’uso del latino medievale – il documento conteneva espressioni e strutture linguistiche che non appartenevano al latino classico del IV secolo, ma piuttosto al latino medievale, tipico dell’VIII secolo; gli anacronismi giuridici – il testo faceva riferimento a concetti legali e istituzioni che non esistevano all’epoca di Costantino, ma che erano propri del periodo carolingio; gli errori storici e geografici – il documento menzionava realtà politiche e amministrative che non erano ancora presenti nel IV secolo: le incongruenze nei titoli imperiali – il modo in cui Costantino si riferiva a se stesso non corrispondeva al protocollo ufficiale dell’impero romano del tempo. L’opera di Valla fu rivoluzionaria perché per la prima volta un documento della Chiesa veniva sottoposto a una critica scientifica basata su metodo e razionalità.
L’analisi di Valla, inizialmente, non ebbe un impatto immediato, poiché la Chiesa cercò di ignorare o minimizzare la questione. Tuttavia, nel lungo periodo, il suo lavoro contribuì a mettere in discussione l’autorità politica del papato e a indebolire la credibilità delle sue pretese territoriali.
L’indagine filologica di Valla divenne un modello per la critica storica moderna e fu ampiamente ripresa nei secoli successivi. Con la Riforma Protestante del XVI secolo, la falsità della Donazione divenne un argomento centrale per gli oppositori del papato, tra cui Martin Lutero, che citò il lavoro di Valla per attaccare la corruzione della Chiesa.
Oggi, la Donazione di Costantino è riconosciuta come uno dei più celebri falsi documentali della storia. L’opera di Lorenzo Valla è considerata una pietra miliare nel campo della critica testuale e della filologia, segnando un momento chiave nella transizione dal Medioevo al Rinascimento. La sua indagine dimostrò che il potere della Chiesa non poteva più basarsi su documenti apocrifi e consolidò un nuovo approccio basato sulla ragione e sull’analisi critica delle fonti, aprendo la strada al pensiero moderno.

 

 

 

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Dio, il re e il cavaliere

L’epica medievale e le chansons de geste

 

di

Riccardo Piroddi

 

 

Mentre la Letteratura Italiana sonnecchiava ancora a letto, raggomitolata tra le coperte, quelle nelle altre due lingue più simili all’italiano, la francese e la spagnola, si erano già alzate, lavate, vestite e stavano facendo colazione con pane, burro, marmellata e un cappuccino bollente. I francesi e gli spagnoli, a partire dall’XI secolo, cominciarono a produrre opere letterarie di altissimo livello: in Spagna e Francia settentrionale, le cosiddette Chansons de geste (canzoni di gesta) e i romanzi cortesi; in Francia meridionale, invece, la splendida poesia, soprattutto amorosa, dei trovatori. Non che gli spagnoli e i francesi del nord fossero meno galanti con le donne, che gli piacesse di più fare la guerra o che portassero i pantaloni più lunghi dei provenzali, ma, condizioni storiche e linguistiche diverse tra queste regioni, causarono lo sviluppo di generi letterari diversi. carlomagnoNella Francia settentrionale, fin dal V secolo, c’erano stati i Franchi la cui presenza aveva prodotto effetti anche sul francese antico. A Sud, al contrario, le popolazioni locali avevano interagito poco con gli invasori e con la loro lingua. Accadde, quindi, che, col tempo, si formassero due lingue, sempre francesi, ma un po’ diverse tra loro: la lingua d’oil, o oitano, a nord, e la lingua d’oc, o occitano, a sud. Queste erano chiamate lingue del sì perché, se un cavaliere avesse chiesto a una principessa di Parigi di uscire con lui, lei gli avrebbe risposto oil, cioè sì. Se a chiederlo fosse stato un cavaliere di Montpellier alla dama vicina di castello, questa gli avrebbe risposto oc, cioè, sempre sì. Se glielo avessi chiesto io, tutt’e due mi avrebbero risposto no e basta, e, siccome non so come si dice “no e basta” in oitano e in occitano, lasciamo perdere e andiamo avanti. Per quanto riguarda la penisola Iberica, gli arabi che vi erano giunti agli inizi dell’VIII secolo, non avevano creati troppi stravolgimenti alla lingua degli abitanti di quelle terre, se non l’introduzione di parole nuove e qualche cambio di accento nella pronuncia di quelle in uso. Roba da poco, quindi.Song-of-Roland-778

Le chansons de geste, scritte in lingua d’oil in Francia settentrionale, erano poemi epici in versi, detti canzoni perché i giullari (che non erano soltanto rozzi comici, saltimbanchi o clown, come spesso sono raffigurati, ma dei veri e propri lettori Mp3 umani, istruiti e colti), girovagando per le piazze delle città e per i castelli, narravano, cantando, spesso accompagnati da un’orchestrina, viella, lira, flauto, tamburelli e campane, storie che impressionavano e appassionavano molto nobili e popolani. Dalla viva voce di un giullare si potevano ascoltare le avventure e le gesta di re, paladini, cavalieri e uomini coraggiosissimi; pericoli, disastri, fortune e sfortune; fughe, tradimenti e morti ammazzati; teste che saltavano dai colli e fiotti di sangue che schizzavano da tutte le parti; guerre e battaglie, combattute in casa e in trasferta, contro infedeli, feudatari rivali e nemici di ogni genere. Quando, poi, quegli stessi giullari, o i monaci, oppure altri volenterosi, cominciarono a mettere quei racconti cantati per iscritto, ordinandoli per argomenti (i cosiddetti cicli carolingio e bretone o arturiano) e personaggi, furono così gentili da permetterci, ancora oggi, di poterli leggere.

La Chanson de Roland 

Il poema epico più famoso di tutti, la cui materia sarebbe stata ripresa anche in Italia da Matteo Maria Boiardo e da Ludovico Ariosto, è la Chanson de Roland. Questa canzone, appartenente al ciclo carolingio, fu composta, intorno al 1100, da un certo Turoldo. Conosciamo il suo nome perché, all’ultima pagina, lui stesso mise la firma, concludendo così: “La gesta scritta qui da Turoldo ha fine”. L’autore prese spunto da un fatto realmente accaduto: la battaglia di Roncisvalle, combattuta il 15 agosto del 778. Mort_de_RolandLa retroguardia dell’esercito di Carlo Magno, comandata dal paladino Rolando, fu attaccata e annientata dai baschi, alleati dei saraceni. Turoldo amplia questo episodio, raccontando una lunghissima storia. Re Carlo combatteva vittoriosamente i mori in Spagna. Soltanto la città di Saragozza gli resisteva e non gli si voleva arrendere in nessun modo. Il re saraceno Marsilio mandò i suoi ambasciatori da Carlo, giurandogli di volersi convertire al Cristianesimo e di diventare suo vassallo. Era solo un inganno. Rolando, più furbo di tutti, capì il trucco e suggerì al suo sovrano di ignorare le proposte del nemico, continuando, piuttosto, a combatterlo, fino alla presa definitiva di Saragozza. L’infame conte Gano, tanto invidioso di Rolando da non vedere l’ora di farlo fuori, si oppose e, con lui, la maggior parte del Consiglio di guerra. Su proposta di Rolando, quindi, proprio Gano fu inviato al campo dei mori per trattare, con il loro re, le pesantissime condizioni di resa imposte da Carlo. Mentre vi si dirigeva, pensò di tradire il suo re e, in un colpo solo, di eliminare anche Rolando. Il perfido conte propose a Marsilio di far finta di accettare quanto ordinato dal re cristiano. Così fu fatto. Carlo Magno e il suo esercito abbandonarono la città, lasciandosi alle spalle la sola retroguardia, capitanata da Rolando, con i Dodici Pari e 20.000 soldati. Quando il grosso delle truppe aveva già oltrepassato la gola di Roncisvalle, Marsilio tese l’agguato al valoroso paladino e ai suoi uomini. Rolando, nonostante la malaparata, si rifiutò di suonare l’olifante, il corno il cui suono avrebbe richiamato Carlo e il resto dell’esercito. Fece, pertanto, la fine del topo in trappola, morendo con le mani giunte sul petto, come un buon cristiano. Il re franco, comunque, tornò indietro in tempo per sbaragliare i mori, disperderli e inseguirli fino a che tutti si gettassero nel fiume Ebro, annegando. Tornato ad Aquisgrana, processò il lurido Gano, ordinando che fosse legato a quattro cavalli, due alle gambe e due alle braccia. Il traditore fu squartato. Rolando era stato vendicato. Molto tempo dopo, quando Carlo aveva più di duecento anni, una notte gli apparve in sogno l’Arcangelo Gabriele. chanson-roland-roncevauxQuesti gli annunziò l’immediata partenza per Infa, dove avrebbe dovuto aiutare il re Viviano a combattere altri mori. Così finì la storia. Turoldo, come è chiaro, aggiunse molti elementi fantasiosi alla realtà dei fatti. Questo perché egli doveva, non soltanto intrattenere chi lo ascoltasse, ma, soprattutto, mostrare loro esempi retti da seguire.  Gli eroi di queste canzoni di gesta erano un po’ come i personaggi della televisione di oggi: tutti volevano e, soprattutto, dovevano essere come loro. Le canzoni di gesta erano caratterizzate dalla presenza e dalla messa in onda di precisi valori: la lealtà verso il sovrano, la fede in Cristo, il senso dell’onore e l’eroismo in battaglia. Tutto racchiuso in un ineluttabile destino, scritto da sempre, che non lasciava ai protagonisti alcuna possibilità di azione personale: o erano e agivano in quel modo, oppure, avrebbero dovuto fare i bagagli e trasferirsi in qualche altro tipo di opera. O mangi ‘sta minestra, o ti butti dalla finestra, in sostanza! In un’epoca dominata esclusivamente dal Cristianesimo e dalla sua morale, questi erano i messaggi pubblicitari che le emittenti cartacee diffondevano via manoscritto: i re dovevano sembrare più o meno come Gesù; i paladini, sempre dodici, gli apostoli; non mancava mai il Giuda di turno; i morti in battaglia erano tutti martiri e quelli più importanti, santi; ogni combattimento diventava una vera e propria guerra santa; pentimenti finali e conversioni al Cristianesimo, l’epilogo necessario. Era come leggere il Vangelo e gli Atti degli Apostoli con i nomi dei protagonisti sostituiti. Altri poemi del ciclo carolingio sono la Chanson de Guillaume, dedicata alla saga di Guglielmo d’Orange e della sua famiglia, a salire e a scendere, cioè, prima e dopo di lui; il Renaut de Montauban; il Girart de Roussillon e il Pelérinage Charlemagne. Un posto particolare occupano le canzoni di Crociata, nelle si esaltavano le gesta dei cavalieri occidentali nelle guerre per liberare il Santo Sepolcro, a Gerusalemme: la Chanson d’Antioche e Le Chevalier au cygne (il Cavaliere del cigno), quel Goffredo di Buglione, comandante dell’esercito cristiano nella Prima Crociata. Di tutte queste, però, non vi racconto le trame altrimenti, se state leggendo di pomeriggio, fate notte, se, invece, è già sera, fate mattina.

Il Cantar de mio Cid

Giusto per rimanere nell’epica, c’è un altro poema, non in Francia, ma in Spagna, di cui vi voglio parlare: il Cantar de mio Cid. Vi sono narrate le imprese eroiche di Roderigo Diaz de Bivar, altrimenti detto El Cid Campeador, vissuto tra il 1043 e il 1099. La storia, o meglio, la canzone, prende avvio quando Roderigo fu accusato di aver sgraffignato una parte dei tributi che il re dei mori di Andalusia doveva ad Alfonso VI di León. Per questo, fu mandato in esilio. Lasciò la moglie Jimena e le figlie nel monastero di Cardeña, per paura che qualcuno potesse insidiarle, e, alla testa di molti altri cavalieri, si mise a far la guerra ai mori. Conquistò Valencia e cacciò il re di Siviglia, ottenendo, alla fine, il perdono del re. Per dimostrargli ulteriore gratitudine, il sovrano benedisse il matrimonio delle sue due figlie, Elvira e Sol, con i conti di Carrión.22 Questi due perdigiorno, però, ogniqualvolta c’era da andare a combattere se la prendevano con le mogli, frustandole e, poi, squagliandosela. Il Cid, stanco delle angherie subite dalle figlie, chiese giustizia a re Alfonso che inviò i suoi soldati ad ammazzare quei due mariti violenti. Le giovani si risposarono, una col figlio del re di Navarra, l’altra con quello del re d’Aragona, Tutti furono invitati ai due matrimoni e il povero Cid Campeador, eroe di tante battaglie, dovette chiedere un prestito in banca per pagare le ingentissime spese, perché, allora, le spese del banchetto nuziale e dei musici erano a carico del padre della sposa. Anche questo poema, tra i primissimi documenti della letteratura spagnola, celebrava quei valori comuni a tutta l’epica: la fede in Dio, la devozione al proprio re, la lotta agli infedeli, l’onore e l’eroismo. Due piccoli tip linguistici sull’appellativo di Roderigo Diaz: Cid deriva dalla parola araba sayyd, che vuol dire signore; Campeador, invece, è di provenienza latina, da campi doctor, maestro, o anche campione, sul campo di battaglia. Esempi di parole arabe e latine entrate in uso, ovviamente adattandosi, nella lingua spagnola, così come, casi lessicologici analoghi, sono presenti in tutte le lingue dei territori dominati, fino a qualche secolo prima, dall’aquila di Roma.

 

 

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